«Seppuku», 1962. Антисамурайское кино Масаки Кобаяси

Seppuku 1962 Masaki Kobayashi Tatsuya Nakadai
«Харакири» — фильм прославленного японского режиссёра Масаки Кобаяси. 1630 г., после битвы при Сэкигахаре и установления власти клана Токугава Японию наполнили ронины — самураи без хозяина. В ворота могущественного клана Ию стучится ронин Ханширо Цугумо (Тацуя Накадай). Он просит дозволения совершить харакири во внутреннем дворе клана. Пока Ханширо готовится к церемонии, зритель из его бесед с представителями клана Ию узнаёт, что неделей раньше с такой же просьбой в клан обратился ронин Мотоме Чиджива (Акира Исихама). Перед обрядом он начал просить отсрочки, а потом обнаружилось, что он не настоящий самурай — у него были бамбуковые мечи. Мотоме заставили вспарывать себе живот бамбуковым мечом, и далеко не сразу отрубили голову, как полагается по обычаю. Мотоме был зятем Ханширо. Гордый Ханширо не захотел отдавать свою дочь Михо (Шима Ивасита) без любви за богатого самурая. Из-за нищеты, в который жило семейство Ханширо, Мотоме заложил свои мечи — надо было вызвать врача для Михо и её сына. Мотоме умер во дворе замка Ию, не успев привести врача. Он надеялся, что его примут в клан, восхитившись его мужеством и решимостью или просто дадут денег, чтобы он не беспокоил клан — такие случаи уже бывали. В один день Ханширо потерял дочь, зятя и внука.
Уже сидя перед ритуальным кинжалом кусунгобу, Ханширо требует себе в секунданты трёх определённых самураев из клана Ию. Они должны были бы отрубить ему голову во время ритуала. Все они оказываются больны. Ханширо объясняет причину — эта троица виновна в жестокой смерти Мотоме. Ханширо сразился с каждым из них и опозорил — срезал волосы с макушки. Теперь они сидят по домам, и боятся показаться на свет. Ханширо в своей речи оправдывает Мотоме и осуждает самурайский кодекс чести. Оскорблённые воины клана Ию бросаются в бой. Ханширо убивает четверых, восьмерых ранит, проникает в святилище клана и свергает доспехи, символизирующие дух клана Ию. Ханширо успевает сделать себе харакири до того, как его расстреливают из новомодных ружей. Наместник принимает решение сказать общественности, что все самураи его клана умерли от болезней, а Ханширо был сумасшедшим.

Seppuku 1962 Masaki Kobayashi Tatsuya Nakadai
Антимилитарист Масаки Кобаяси своим фильмом развенчивает самурайский кодекс чести бусидо, показывает закат эпохи честных самураев. Условности, принятые в военном сословии, осуждаются главным героем картины — мастером меча, хозяином своего слова, отважным Ханширо Цугумо. Самураи во время затишья превращаются в паразитов, безвольных и слабых. Те из них, которые не нашли себе тёплое место во дворце и ещё верят в кодекс чести, должны вспарывать себе живот, чтобы избежать голодной или какой-нибудь другой позорной смерти.
«Харакири» — образцовое японское кино. Медлительное, постепенно раскрывающее свой аромат, ритмичное, очень красивое (особенно последняя дуэль Ханширо), наполненное поисками гуманистических идей. На экране практически нет событий — всё больше рассказы и диалоги. Кадры предельно лаконичны, длинны, а камера лишь иногда неожиданно начинает двигаться. После кровавого самоубийства Мотоме Кобаяси копит энергию, потихоньку выпуская её через выразительные эмоции на лицах героев. Долгожданные и ожесточённые бои в конце фильма Кобаяси также постоянно обрывает, показывая, например, пустую комнату, в которой недвижимый наместник слушает крики своих самураев, погибающих от меча Ханширо. Фильм сопровождается интересной музыкой Тору Такемицу в народном японском стиле. Сам Тацуя Накадай, безусловно, является значительным открытием японского кинематографа второй половины двадцатого века. Он не такой пластичный, как Тосиро Мифунэ, например, зато обладает навыками тонкой психологической игры.
«Харакири» — шедевр Масаки Кобаяси, достойный экземпляр в галерее японского послевоенного кинематографа.

«Miracle Worker, the», 1962. Артур Пенн приходит в кино

Miracle Worker 1962 Arthur Penn Anne Bancroft
«Сотворившая чудо» — основанная на реальных событиях история слепоглухонемой девочки Хелен Келлер (Петти Дюк) и её учительницы Энн Салливан (Энн Бэнкрофт). Хелен родилась в конце XIX века у капитана Артура Келлера (Виктор Джори) и его жены Кейт (Инга Свенсон). До двенадцати лет девочка росла избалованным зверёнышем. Когда встал вопрос о сдаче ребёнка в приют для слабоумных, родители пригласили к ней выпускницу школы для слепых — недавно обретшую зрение двадцатилетнюю Энн Салливан. У Энн нет никакой любви к девочке, но есть железная воля и решимость любыми средствами научить девочку говорить знаками. Бескомпромиссность молодой девушки, её жестокость и требование полностью изолировать Хелен от родственников наталкиваются на негодование родителей и прочих родственников Хелен. Но после долгих мучений Энн добивается, казалось бы, невозможного — Хелен начинает понимать слова!

Miracle Worker 1962 Arthur Penn Anne Bancroft
Артур Пенн только что пришёл в большое кино с телевидения и перенёс на экран свою собственную успешную бродвейскую постановку с теми же актёрами. Фильм привлекает не своей старомодной вычурностью, не прекрасной операторской работой Эрнесто Капарроса, не умелый и богатый по ритму монтаж Арама Авакяна, а работой Пенна с актёрами. Мастерская игра Энн Бэнкрофт и Петти Дюк затмевает всё. Причём у шестнадцатилетней Петти Дюк гораздо более серьёзная и сложная роль, чем у её старшей коллеги. Исключительно разыграна, например, очень длинная сцена, в которой Энн Салливан силой заставляет Хелен пообедать с помощью ложки.
Артур Пенн обрывает картину там, где начинается сознательное существование Хелен и между девочкой и учительницей впервые появляется какая-то нежность. Пенна интересует прежде всего вопрос соотношения жестокости и любви в сложном деле обучения инвалида. В дальнейшем Хелен прожила достаточно полноценную жизнь, первая среди подобных себе людей получила высшее образование, выучила несколько языков и написала семь книг.

«Akahige», 1965. Гуманистический шедевр А. Куросавы

Akahige 1965 Akira Kurosawa Toshiro Mifune Takashi Shimura
«Akahige», 1965. Гуманистический шедевр А. Куросавы
«Красная борода» — эпический по своему масштабу фильм Акиры Куросавы о клинике врача Кёдзё Ниидэ по прозвищу Красная Борода (Тосиро Мифунэ). Действие происходит в XIX в. В клинику прибывает по распределению молодой амбициозный врач Нобору Ясумото (Юдзо Каяма) из богатой семьи. Ясумото не скрывает своего раздражения из-за того, что вместо тёплого местечка при крупном чиновнике он оказался в полунищей клинике, наполненной бедняками. К тому же, Ясумото раздражает суровый и бескомпромиссный нрав Красной Бороды. Ясумото начинает вызывающе себя вести: по-прежнему ходит в своём дорогом кимоно и пьёт саке, в надежде, что Карсная Борода его выгонит. Позже Ясумото подпустит к себе содержащуюся в клинике под замком маньячку. Молодой врач самонадеянно подумал, что сможет её вылечить, а закончил свой сеанс психоанализа без сознания и с заколкой в шее.
Красная Борода выходил Ясумото и вскоре взял его ассистентом на операцию (Ясумото на ней быстро потерял сознание) и заставил присутствовать при смерти двух стариков со сложными жизненными историями. У одного зарезалась любимая женщина, а у второго дочь вышла замуж за любовника матери. Ясумото становится свидетелем, как Красная Борода берёт огромные деньги за простое лечение чиновников и шантажирует полицию. Всё это врач делает для того, чтобы помочь своим нищим пациентам. Красная Борода, поломав руки десятку сутенёров, вызволяет из публичного дома больную девочку Отоё (Тэруми Ники) и она становится первым пациентом Ясумото. Отоё — забитый и молчаливый зверёк. Взаимная забота (как только Отоё поправилась, её пришлось ухаживать за заболевшим Ясумото) постепенно возвращает девочку к жизни в нормальном человеческом обществе. Отоё даже находит себе друга — маленькой мальчика Чобо — воришку, страдающего от постоянного голода. Красная Борода потом спасёт это мальчика после того, как вся его семья сознательно отравится крысиным ядом.
Вместе с обретением своего призвания — служить бедным, Ясумото обретает и спокойствие в личной жизни — фильм заканчивается его помолвкой с сестрой своей бывшей невесты и отказом от столичной больницы в пользу клиники Красной Бороды.

Akahige 1965 Akira Kurosawa Toshiro Mifune Takashi Shimura
«Красная борода» — мастшабный трёхчасовой проект, съёмки которого длились два года. К сожалению, столь длинный срок расстроил дела в собственных проектах Тосиро Мифунэ, что привело к болезненному разрыву отношений Куросавы с его лучшим актёром. «Красная борода» несёт глубокий гуманистический посыл и на примерах самых разных людей от детей до стариков исследует тему человеческих страданий и человеческой самоотверженности. На мой взгляд, картине чуть не хватает полутонов, и выбрана не очень подходящая классическая музыка. Но это единственные недостатки этого великолепного творения. Как всегда, бесподобен Тосиро Мифунэ, практически все остальные персонажи фильма удивительны по своей выразительности. Визуально картина совершенна благодаря стараниям постоянного оператора Куросавы Асаказу Накаи. Фильм снят очень длинными планами, выверенными в своей композиции и очень красивыми по свету. Особенно удались Накаи традиционные для японского кинематографа съёмки с нижнего ракурса.

«My Fair Lady», 1964. Мюзикл Джорджа Кьюкора

My Fair Lady 1964 George Cukor Audrey Hepburn
«Моя прекрасная леди» — экранизация Джорджем Кьюкором одноимённого мюзикла по пьесе Бернарда Шоу «Пигмалион». Гениальный лингвист Генри Хиггинс (Рекс Харрисон) заключает пари с коллегой полковником Хью Пикерингом (Уилфрид Гайд-Уайт), что сможет за полгода сделать из необразованной уличной продавщицы цветов настоящую леди, которая говорила бы на чистейшем оксфордском английском языке. По ходу обучения женоненавистник профессор Хиггинс, сам того не замечая, влюбляется в свою подопечную.My Fair Lady 1964 George Cukor Audrey Hepburn

В шестидесятые годы мюзиклы получили широкое признание, хотя эра настоящих голливудских мюзиклов уже давно прошла. «Шербурские зонтики» (1964) получили «Золотую пальмовую ветвь», «Вестсайдская история» (1961) — десять «Оскаров», включая «Картина года». «Моя прекрасная леди» не стала исключением, получив восемь «Оскаров», включая главный, и главную премию BAFTA. Не знаю, чем объяснить такую любовь к мюзиклам. На мой вкус, музыкальные номера в этом фильме не самые выдающиеся, а юмористические сцены далеки от той же «Филадельфийской истории» Кьюкора. Одри Хепбёрн безусловно хороша, но этого мало. Да и три часа — многовато для мюзикла. Хотя. нельзя не отметить выдающуюся работу костюмеров, создавших изумительную галерею вычурных костюмов аристократии начала ХХ века.

«Collector, the», 1965. Первая экранизация Джона Фаулза

Collector 1964 William Wyler Terence Stamp
Дебютный роман Джона Фаулза «Коллекционер» был экранизирован уже через два года после публикации. Режиссёром стал Уильям Уайлер. Забитый банковский клерк Фредди Клегг (Теренс Стемп), увлекающийся коллекционированием бабочек, неожиданно выигрывает на скачках огромную сумму. Он покупает уединённый особняк с крепким подвалом и похищает образованную молодую девушку по имени Миранда (Саманта Эггар), в которую давно был влюблён. Фредди убеждён, что рано или поздно Миранда полюбит его. После месяца заточения, поняв, что попытки сбежать бессмысленны, Миранда соглашается на предложение Фредди выйти за него замуж, потом пытается соблазнить похитителя. Эти поступки лишь озлобляют маньяка. В довершение всего, у Миранды не хватило душевных сил убить Фредди. В конце фильма Миранда погибает от пневмонии, а Фредди отправляется на поиски новой жертвы попроще.

Collector 1964 William Wyler Terence Stamp
Отстранённый стиль Уайлера, который всегда имел репутацию талантливого ремесленника, выводит на первый план выдающуюся игру идеально подобранного актёрского дуэта. Крайний перфекционизм режиссёра и его мастерская работа с актёрами привели к тому, что главным достоинством фильма является игра Теренса Стемпа и Саманты Эггар, которые не покидают экран практически все два часа фильма. При средней операторской работе (Роберт Сёртис) и монтаже фильм сопровождается очень хорошей музыкой Мориса Жарра. Других ощутимых достоинств у картины нет.
Фильм не передаёт глубину первоисточника и его композиционные особенности и стал бы экранизацией «для галочки», если бы не актёры, наблюдать мастерство которых доставляет большое удовольствие.

«Alexis Zorba», 1964. Самый обаятельный грек

Alexis Zorba 1964 Anthony Quinn Mihalis Kakogiannis Alan Bates Lila Kedrova
«Грек Зорба» Михалиса Какоянниса — экранизация одноимённого романа Никоса Казандзакиса. На Крит прибывает писатель Бэзил (Алан Бейтс). Бэзил находится в творческом кризисе. Сюда он приехал, чтобы заняться заброшенной шахтой, которую ему оставил его отец. По дороге Бэзилу в компаньоны напрашивается обаятельный грек по имени Зорба (Энтони Куинн). После некоторых колебаний Бэзил соглашается взять Зорбу с собой. На Крите помимо строительства шахты героям придётся решать проблемы, связанные с личной жизнью. Зорба будет ухаживать за француженкой, которая держит здесь гостиницу (Лиля Кедрова), а на Бэзила положит глаз красивая молодая вдова (Ирина Папас), по которой сохнут все местные мужчины. Бэзил и Зорба являются полными противоположностями. Бэзил — спокоен, рационален, достаточно порядочен, склонен к постоянным рефлексиям. Зорба — большой жизнелюб, энергичный, смелый и хитрый. Он безграмотен, никогда не мучает себя никакими вопросами, а просто делает то, что ему нравится. Он безграничный оптимист и ничего не боится. Зорба создаёт чудеса для местных монахов, чтобы заполучить их лес, устраивает кутежи в стиле Кисы Воробьянинова на деньги, данные ему Бэзилом для покупки материалов для подвесной дороги. В результате все замыслы героев терпят неудачу. Возлюбленную Бэзила убивают местные жители, несмотря на заступничество Зорбы. Их вывел из себя тот факт, что из-за молодой вдовы покончил с собой местный юноша, да ещё и ровно в ту ночь, которую женщина провела с Бэзилом. Возлюбленная Зорбы умирает на следующий день после символического венчания, а местные жители тут же разворовывают её гостиницы до основания. Наконец, рушится в день открытия подвесная дорога для транспортировки леса, на которую было положено много сил. Перед отъездом Бэзила Зорба учит его танцевать сиртаки на морском берегу и преподаёт ещё один, финальный урок жизнелюбия.Alexis Zorba 1964 Anthony Quinn Mihalis Kakogiannis Alan Bates Lila Kedrova

Михалис Какояннис — выдающийся греческий режиссёр своего времени, а «Грек Зорба» — выдающийся его фильм. Картина получила такой успех благодаря серьёзной съёмочной группе. Сам Михалис Какояннис здорово смешивает в фильме самые разные настроения, легко перепрыгивая между комедией и трагедий. Хаотичный сценарий, отдельные линии которого, кажется, живут совершенно сами по себе, прекрасно отражает иррациональность главного героя. С Какояннисом работал оператор Уолтер Лассали, снявший несколько шедевров Тони Ричардсона. Лассали вслед за режиссёром ловко чередует совершенно разные стили съёмки, подстраиваясь под настроение текущей сцены. Из актёров лучше всех играют Энтони Куинн и Лиля Кедрова. Их чрезвычайно яркие и запоминающиеся персонажи вытесняют на второй план Алана Бейтса. Я не видел Кедрову в других фильмах, но для Куинна — это одна из лучших его ролей.
Совершенно отдельно хочется сказать о музыке Микиса Теодоракиса — талантливого композитора и мужественного борца за свободу Греции. Созданный им и Энтони Куинном танец «сиртаки» стал одним из символов Греции. Порой возникает ощущение, что в фильме все персонажи, предметы и даже звуки танцуют под эту задорную музыку.

«Гамлет», 1964. Г. Козинцев берётся за У. Шекспира

Гамлет 1964 Григорий Козинцев Иннокентий Смоктуновский
Опытнейший режиссёр Григорий Козинцев подошёл к «Гамлету» серьёзно: написал книгу о Шекспире, полгода строил на берегу Балтики величественный замок Эльсинор. На главную роль Козинцев взял Иннокентия Смоктуновского, который блестяще сыграл мягкого философствующего Гамлета в противовес достаточно решительному и властному Гамлету Лоуренса Оливье. Вообще, влияние английского фильма чувствуется, от образов до копирования отдельных кадров и поз героев, но при этом Козинцев создал совершенно свой Эльсинор, практически такой же красивый благодаря стараниям оператора Йонаса Грицюса.

Гамлет 1964 Григорий Козинцев Иннокентий Смоктуновский
Режиссёр постарался детально воссоздать атмосферу жизни в замке, благодаря чему фильм получился более реалистичный, чем творение Лоуренса Оливье, которое тяготеет к театральности. Получились два разных, одинаково хороших подхода. Естественность событиям придаёт и использование перевода Пастернака. Я лично больше люблю Лозинского. Он тяжелее, ближе к шекспировскому языку, на котором тот же Лоуренс Оливье говорит удивительно легко. На мой вкус, не все актёры в должной степени, так как Анастасия Вертинская, играющая Офелию, могут составить пару гению Смоктуновского. Но это проблема распространённая. Что касается музыки, то партитура Дмитрия Шостаковича прекрасно дополняет экранное действие.
«Гамлет» Козинцева — жемчужина богатого на шедевры советского кинематографа шестидесятых годов, серьёзный фильм, поставленный с глубоким старанием, кино мирового уровня, хотя и не обогнавшее, на мой вкус, «Гамлета» Лоуренса Оливье.

«Peau Douce, la», 1964. Кровавый любовный треугольник Франсуа Трюффо

Peau Douce 1964 François Truffaut
«Нежная кожа» — драма Франсуа Трюффо. Главным героем является богатый литератор Пьер Ляшне (Жан Десайи). Во время командировки в Лиссабон он знакомится с красивой стюардессой по имени Николь (Франсуаза Дорлеак). Их вторая встреча в гостинице кладёт начало тяжёлому роману. Пьер стыдится Николь, не может из-за своей работы, уделить её должного внимания во время поездки в Реймс, которую они предприняли, чтобы побыть наедине. Во время этой поездки о Николь узнаёт Франка (Нелли Бенедетти) — жена Пьера и мать его десятилетней дочери. Франка начинает бракоразводный процесс, разрываемая одновременно ненавистью и любовью к бывшему мужу. Но тут выясняется, что Николь готова изредка спать с Пьером, но не готова связать с ним жизнь в новой квартире, которую Пьер специально для этого купил. Все трое тяготятся сложившейся ситуацией, что приводит к кровавой развязке.

Peau Douce 1964 François Truffaut
«Нежная кожа» — фильм неплохой, но заметно слабее, чем некоторые предыдущие работы режиссёра. В ней хорошие актёры, которые находятся на своём месте (особенно Жан Десайи), есть своё стиль. Но картине не хватает глубины. Фильм раскрывается по-настоящем лишь ближе к концу, когда главной героиней становится практически не появляющаяся в первой половине Нелли Бенедетти. Её тяжёлые терзания сыграны очень хорошо и являются лучшими сценами фильма.

«Я — Куба», 1964. Последний фильм Калатозова-Урусевского

Я куба 1964 Михаил Калатозов Сергей Урусевский
«Я — Куба» — последний плод многолетнего плодотворного творческого дуэта режиссёра Михаила Калатозова и оператора Сергея Урусевского. Жизнь и характер революционной Кубы раскрывается в четырёх картинах. В первой уличный продавец узнаёт, что его скромная возлюбленная из трущоб является проституткой и обслуживает богатых американцев. Во второй крестьянин, старательно растивший с детьми сахарный тростник, сжигает весь урожай, узнав, что его земля продана арендатором американцам. В третьей показаны столкновения студентов, поддерживающих Кастро, с полицией Батисты. В четвёртой крестьянин, потерявший сына из-за американских бомбардировок, уходит в горы и присоединяется к партизанам.

Я куба 1964 Михаил Калатозов Сергей Урусевский
Крайне антиамериканский и революционный фильм революционно и авангардно же снят. Лишённый цельного сюжета и практически лишённый диалогов, он почти целиком снят Сергеем Урусевским с рук, немыслимыми по своей сложности длинными планами, в которых камера практически не останавливает свой бег. Особую экспрессию фильму придаёт это постоянное движение, использование сверхширокоугольной оптики и инфракрасной плёнки. Каждая новелла картины слегка отличается от другой по стилистике, но все они одинаково выразительны. Весь драматизм действия, кажется, передаётся именно через руки Урусевского. Фильму заметно не хватает глубочайшего психологизма «Летят журавли» или цельности «Неотправленного письма», встречаются весьма примитивные сюжетные ходы как в целом (вся история с проституткой Бетти), так и в мелочах (застреленный белый голубь на студенческой демонстрации; кукла, которую подбирает герой четвёртой истории после бомбёжки). На эти драматургические проблемы можно не обращать внимания из-за выдающихся достижений команды Урусевского и его вошедших в историю кинематографа кадров (вечеринка на крыше небоскрёба с последующим погружением в бассейн в начале фильма и легендарные похороны студента, во время которых камерах летает по улицам Гаваны, поднимаясь от самой земли ввысь и пролетая через сигарную мастерскую на последних этажах).

«Родная кровь», 1964.

Родная кровь 1964 Михаил Ершов Евгений Матвеев Вия Артмане Анатолий Папанов
«Родная кровь» Михаила Ершова повествует о любви танкиста Владимира (Евгений Матвеев) и паромщицы Сони (Вия Артмане). Володя случайно встретил Соню на пароме, когда ехал с фронта в отпуск. Между мужчиной и женщиной вспыхнула любовь, которую не остановило наличие у Сони трёх детей и живого мужа. Муж Сони на деле давно уже с ней не живёт, лишь посылает какие-то неболшьшие деньги. Вернувшись с фронта Володя, несмотря на рассказы местных жителей о многочисленных шашнях Сони с солдатами, остаётся жить с любимой и становится отцом её детей. Через несколько лет Соня неожиданно умирает. Тут же откуда-то возникает её муж — успешный юрист (Анатолий Папанов). Он вызывает Володю на откровенный разговор и пытается переманить к себе детей — он хорошо зарабатывает, и имеет хороший дом на Прибалтийском побережье. После мучительных разговоров лишь младший мальчик, прельщённый велосипедом, уезжает с родным отцом. Для старших детей единственным отцом остаётся дядя Володя.

Родная кровь 1964 Михаил Ершов Евгений Матвеев Вия Артмане Анатолий Папанов
«Родная кровь» демонстрирует неплохой средний уровень советского кинематографа шестидесятых годов. Это, конечно, не шедевр психологического кино, но фильм проблемный, поднимающий острые социальные вопросы, которым не уделялось внимания ещё несколько лет назад. Операторская работа Олега Куховаренко в достаточной степени выразительна и во многом традиционна. Сценарий, обладающий хорошим сюжетом, нуждается в доработке для создания большей цельности. Евгений Матвеев и Вия Артмане играют, на превый взгляд, неплохо, но когда на последние пятнадцать минут на экране возникает Анатолий Папанов, сразу становится ясно, «кто в доме хозяин». Папанов создаёт цельный, сильный, характерный образ, самый яркий во всём фильме.